作者：赵星雨 祝心雨
编辑：赵星雨
景观时代的到来，让当下我们观察世界的方式发生了翻天覆的改变。不管是一顿赏心悦目的烛光晚餐，还是一场和伴侣携手共赏的演出，生活里那些琐碎的点点滴滴都会被大家事无巨细地记录到自己的社交平台上。虽然有老话曾讲：“没人会听见广袤森林里一棵树倒下的声音。”但现在，甚至连一片雪花的飘落都有可能被无限放大。
这一切都在促使人们与流行文化的互动方式发生变化。最明显的一点是，明星们在从前都是可望而不可即的，而现在他们一边在社交媒体上发着自己宠物的照片，一边忙着在评论区里和黑子们互撕。互联网上的一次点击就可以带来成千上万小时的娱乐，大众的注意力变得史无前例的分散。
好在，娱乐至死的同时，还有独特的艺术家们在掀起浪潮，探索新的表演方式，试图利用人们仅剩的那些注意力集中的时刻，来颠覆观众们的感官。其中一个能吸引全部注意力的场合，就是舞台。
说起戏剧，人们常常觉得它有点高不可攀，于是常常抱着敬而远之的态度。但现在全球有越来越多的音乐人们开始在现场演出中加入戏剧元素，尝试突破传统表演界限。
例如Lorde在今年的Coachella音乐节和Glastonbury音乐节上，钻进了一个巨大的倾斜玻璃盒子装置，并在里面完成了表演。该装置由艺术家Es Devlin设计，Es Devlin随后也表示，设计装置的灵感来源于自己之前戏剧作品中使用过的同样的立方体概念，二人的合作也让音乐与戏剧迸发了新的火花。
随着现场音乐成为世界文娱市场和资本市场的重要标的，这样的跨界合作也不再是偶然，全球有不少音乐人都展现出了对音乐演出“戏剧化”的天赋与热爱。
角色扮演和推倒重建
音乐“人格”&戏剧盛宴
1、“人格分裂”
有不少音乐人为了诠释不同主题或风格的作品会进行“人格分裂”，这种分裂在现场音乐的呈现中往往也使用了更加戏剧化的方式，不同的音乐人也对此进行了或极端或惊艳的诠释。
例如最近在英国进行巡演的音乐人Christine And The Queens就进行了戏剧表演，其最新专辑《Chris》在很大程度上探讨了权力与欲望之间的紧张关系，于是Christine And The Queens为自己觉醒了女性性别平等意识的新人格命名为“Chris”，并在聚光灯下展示作为女性的角色，Chris是如何诠释这些议题的。
在巡演中，Christine And The Queens请来了一群魅力十足又个性鲜明的舞者，让Chris在伴舞中穿行，时而蹦跳，时而躲闪，时而与舞台上的其他人目光交汇，时而陷入激烈的打斗之中。她置身于观众之间，仿佛是一个隐秘的窗口，透过她，观众将窥见一个探讨女性性别平等的微型世界。
精心的制作、令人瞠目结舌的排演加上突破疆界的大胆尝试，使得Chris的演出成为引发讨论的纯粹流行艺术。对此，Christine And The Queens则用了戏剧化的对白方式进行回应：“我只想把男人的目光抓过来，再一点一点地去摧毁它……我坚毅，我渴望，我悲恸，我快乐，我狂喜。”
大洋彼岸的张惠妹也做了类似的尝试。2009年，张惠妹发行了自己的第十五张个人专辑《阿密特》，同时也创造出了一个名为“阿密特”的暗黑系摇滚风格音乐人形象，唱腔和技巧都与自己本身相去甚远。同年年底，张惠妹也以阿密特的形象展开了巡演。虽然“阿密特”这个人物的音乐和现场演出主要探讨女性意识、同性恋、人格冲突等社会议题，实现性质较为强烈，但凭借张惠妹本人的人气、歌唱技巧、精良的舞台呈现和大胆的观点输出，“阿密特”已经在华语乐坛中积累了不少拥趸。
2、“戏剧展演”
除了人格化的设计，不少音乐人也会将戏剧演出融入音乐演出中，为观众带来除了聆听之外的独特现场体验。
去年年底，刚发行完《MASSEDUTION》的St Vincent就呈现了近年来最具争议的演出之一。其表演整个抛弃了你能联想到的所有传统演出元素：开场时，巨大的屏幕上放映着St Vincent自己的恐怖短片《生日派对（the Birthday Party）》，帷幕拉开，露出了一张尖叫着的脸。紧接着，乐队不见了，只有St Vincent拿着吉他，在布满大块刺眼荧光色的舞台上独自弹唱。
和这种轰击观众精神感官的做法正好相反的是，St Vincent曾经常通过对肉体近乎残忍的折磨，使任何一个微小的动作都会传递给观众极大的痛苦，以此达到演出效果。为了唱一首歌，她会把麦克风左移一米；为了唱另一首歌，她像机器人一样转向右边。这与其说是一场演出，不如说是一副视觉的拼贴画，让一些人对极简主义的大胆尝试为之一惊，又让另一些观众摸不着头脑。
但其实St Vincent已经在这些荒诞剧中克制地给予观众所期望的一切。《MASSEDUCTION》是一张批判权力的专辑，探讨了名声的虚伪，以及众人不断被广告、金钱、怪癖和欲望所诱惑的方式。而St Vincent认为，为了和人们对现代媒体的期望相对抗，尝试创造一种融合多感官为一体的艺术表现形式是很有价值的。
“不管音乐还是戏剧，两者之间抽象情感的表达有着密不可分的关系。这就是为什么这两种形式可以如此完美地相互促进。在这个世界上，我们消费的东西越来越虚拟，越来越依赖于屏幕的呈现，使得现场表演的力量，和参与演出的共同体验，都变得更加强大和丰满。”St Vincent说。
国内在这方面做得最突出的当属张学友。从音乐剧《雪狼湖》、电影《如果爱》开始，国内就一直有音乐与戏剧跨界融合的呼声，但长久以来鲜见成果，只有张学友始终坚持。
在社交媒体中经常能看到，有不少看过张学友演唱会的歌迷通过视频或图片，记录了他们对于张学友在视听方面给予观众的震撼。例如有网友上传了张学友在演唱会中跳踢踏舞的片段，表示“张学友同志演唱会的舞美真的好厉害，仿佛看了一场音乐剧。57岁连蹦带跳三个小时不带喘的，真的佩服。”还有网友剪辑了其不同演唱会中的剧情片段，感叹“舞台各方面都是顶级，看起来更像是一场华丽的百老汇音乐剧。”
“戏剧化”核心
不掩盖音乐本身
客观来说，要做到专业的音乐与戏剧融合，对于音乐人来说并不简单。一方面是舞台布景和服装道具成本较高，另一方面则是音乐剧形式对音乐人的专业技巧要求也有门槛。
但是观众们也更愿意看到这样更独特、更用心的演出。事实上，大众对于现场演出的质量要求已经越来越高，追逐资本的同质化演出和躺在从前荣誉上吃老本的“敷衍”内容已经无法在市场中立足，
而且，虽然音乐拥抱了戏剧，但这也并不意味舞台上的演出就可以打着“戏剧”的旗号随心所欲、混乱喧嚣。相反，一些世界上最伟大的艺术家们更看重表演本身的质量，以及被观看的意义。他们常常会突破界限，在观众们一个半小时的专注时间内，尽最大努力去呈现最丰富的内容。
与布里斯托老威克剧院（Bristol Old Vic）和南华克剧场（Southwark Playhouse）均有合作的布景和服装设计师Eleanor Bull表示：“舞台呈现出的效果，完全取决于你作为一个音乐人的目标是什么。如果你只是在现场演出中加入大量花哨的装饰音和哨音，使用大量的布景以及服装变化，同时并没有在自己的音乐作品中以任何方式反映出这种戏剧风格，那么它当然会显得你故意做作，自命为贵。但如果你的舞台秀是精心制作的，通过微妙的方式将音频和视像连接起来，达到增强音乐的效果，而不是掩盖音乐本身，那么我想人们应该没有任何理由反对它。”
除了戏剧化的演出之外，不少音乐人们也在演出中引入了表演因素。以烟火不停的壮观现场为代表的Muse乐队表示：“我们的下一场巡演会用到你从来没在演唱会上见到的东西。”此外，Muse还透露将在明年的《模拟现实(Simulation Theory)》发行后，用三款VR游戏在巡回演唱会上举办VR派对。
当然，我们也不能忘记，虽然“戏剧化”让音乐演出产生出巨大能量，但其最核心的前提依旧是“不能掩盖音乐本身”。
“现场观演的美妙之处在于，你能亲眼看到某些东西被创造出来的过程。我想看到成堆的乐器，我想听到轰击耳膜的音乐，这些都不应该随着戏剧因素的加入而被削减。”Eleanor Bull担心依靠人造因素的想法根深蒂固，让人们对戏剧和音乐的结合产生比现实更高的期望。
她解释称：“一直以来，我最喜欢的艺术家是Iggy Pop。他从不依赖布景或灯光来获得戏剧效果，而是凭借自己的表演征服观众。并不是说音乐现场就不能使用布景和服装，如何取用这些辅助元素，只取决于其适合音乐人与否，以及他在舞台上想要传达的内容。”
“优秀的表演不需要过多的成分堆砌，如果拥有深刻的内核，它自己就能发光。”
