所谓当代现象,很大程度上可以看作是古代悲剧的轮回与重演 | 7月沪京展览推荐

玛丽·阔思、泰特美术馆、蔡国强、胡安·米罗、树、安迪·沃霍尔、中岛英树、拉斐尔……

记者 | 陈佳靖 林子人

编辑 | 林子人

【上海】

玛丽·阔思:以光作画

展览时间:7月2日-9月5日

展览地点:龙美术馆(西岸馆)

门票:200元/人(全馆通票)

玛丽·阔思
《无题(白色多光带,斜截边)》,布面玻璃微粒及丙烯,198.1×304.8cm,2019
©玛丽·阔思,由凯吉克画廊及佩斯画廊提供

此次展览是玛丽·阔思(Mary Corse)在亚洲的首场美术馆专题个展,展览由近30件大尺幅作品构成,呈现阔思60年艺术生涯的重要创作。光是阔思创作的主题和对象。始于1968年的“白光”绘画系列是她最具标志性的作品。她在绘画中使用玻璃微粒,这些微粒能够折射光线,产生熠熠生辉的效果。某种程度上来说,阔思的画作是与观者共同完成的:观者需要移动身体,变换观看角度,才能发现看似极简的画面下艺术家在带状图形中倾注的心力——画作由亮变暗,再由暗变亮,带给观者脱离平面和固定状态的独特视觉感受。

玛丽·阔思,1945年出生于美国加州伯克利,从1960年代中期在加州的艺术圈崭露头角。半个多世纪以来,她持续地致力于绘画媒介,在图像领域探究光的特质,其中饱含着动势与几何的二元性。阔思的作品被多家艺术机构永久收藏,包括纽约古根海姆美术馆、纽约惠特妮美术馆、休斯顿梅尼尔收藏馆、洛杉矶郡立美术馆、洛杉矶当代艺术博物馆、华盛顿特区国家美术馆、J·保罗·盖蒂博物馆、上海龙美术馆等。

光:泰特美术馆珍藏展

展览时间:7月8日-11月14日

展览地点:浦东美术馆

门票:平日100元/人,指定日150元/人

约翰·埃弗里特·米莱
《奥菲莉娅》1851—1852年
布面油画
泰特所有,1894年由亨利·泰特爵士赠送

7月8日,浦东美术馆正式向公众开放。浦东美术馆位处小陆家嘴滨江核心区,向北毗邻上海国际会议中心,向西延伸至黄浦江畔,向东经由花园广场连接东方明珠塔。浦东美术馆从外表来看是一个极简的“白色盒子”,负责设计工作的普利兹克奖得主让·努维尔采用“领地”的概念,“希望浦东美术馆像是沉静融合在广袤大地上的一方雕塑,人们看过去的时候不要认为这是个独立的建筑,而是和地、景和空间小品搭配延续,自然而然连贯在一起。”

浦东美术馆为观众带来了三个开幕展。2019年,上海陆家嘴(集团)有限公司与泰特美术馆理事会在英国伦敦签署战略合作谅解备忘录,约定泰特美术馆为浦东美术馆提供为期三年的培训和咨询服务,并在三年内进行展览合作。“光:泰特美术馆珍藏展”为双方合作的首个展览项目。展览以“光”为线索,展示了来自40多位艺术家的100余件作品,作品年代跨度为200多年,以各个时期的代表作和艺术家为重点阐释“光”在艺术创作中的演变。本次展览展出了泰特收藏的一些最著名的作品,其中泰特镇馆之宝《奥菲莉娅》是首次造访中国。这幅作品由英国艺术家约翰·埃弗里特·米莱在艺术生涯早期创作,描绘的是《哈姆雷特》中的贵族女孩奥菲莉娅发疯沉河的场景。米莱对奥菲莉娅的细腻描绘在当时颇具争议,但他笔下的奥菲莉娅却成为西方艺术界最知名的形象之一。

蔡国强:远行与归来”从2020年12月的北京故宫博物院巡回而至。展览共展出蔡国强119件/组以火药为主及不同媒介的作品,包括广获好评的艺术家首个VR虚拟现实体验作品《梦游紫禁城》,以对话东西方文明的创作形式,呈现艺术家近年“一个人的西方艺术史之旅”项目的精选作品,以及几十年来对中国文化精神和永恒宇宙之乡的追随。中央展厅还呈现了蔡国强的特别委任项目《于未知的相遇》。作品以玛雅文明的自然宇宙观出发,将不同文明和宇宙观里“脱离重力、拥抱宇宙”的故事,通过手工搭建的墨西哥烟花塔这一质朴形式,以及电脑控制的光之绘画,构成富有奇幻想象和动感的多维画面。表现人类自古以来对宇宙的向往,亦传递人类在对未来充满不确定的今天,更加好奇和渴望未知世界。

“胡安 · 米罗:女人 · 小鸟 · 星星”展示西班牙国宝级艺术家胡安·米罗艺术生涯成熟阶段(1937-1979年)的一系列经典之作。米罗是与毕加索、达利齐名的超现实主义绘画大师之一,他的画作洋溢着一种率真的气质,人物、女人、鸟、月亮、太阳、星星、星座、逃离之梯是他常用的意象。

(同期展出的还有“蔡国强:远行与归来”和“胡安·米罗:女人·小鸟·星星”。)

树,树

展览时间:7月9日-10月10日

展览地点:上海当代艺术博物馆

门票:60元

路易斯·泽尔比尼
《世间万物》,2018年
布面丙烯,250 x 361 cm
© Luiz Zerbini

“总体来说,即使没有我们,植物也完全可以独自生存。相反地,我们人类一旦离开树木将很快灭绝。”这句来自植物神经生物学家斯特凡诺·曼库索的引语可以说是本次展览的基本出发点。它提醒我们重视这一事实——树木是地球上最古老的生物之一,它安静地与人类与动物共生,它有自己的智慧和能力,却在人类中心主义叙事中被长期忽视。

“树,树”展览于2019年在法国巴黎首展,取得巨大成功。展览试图突破艺术展览的维度,呈现了艺术家、植物学家、哲学家等群体的多样声音,让观众重新思考树木在自然和人类社会中扮演的独特且重要的角色。

Tanya Merrill

展览时间:7月11日-8月30日

展览地点:池社

门票:免费

Tanya Merrill
Uprising 2019
Oil and oil stick on linen 121.9 x 91.4 cm
图片来源:池社

Tanya Merrill的作品审视人类与自然的紧张关系,以及对性别和欲望的文化描绘。科学与生态学、宗教与神话学在这里交汇,凝结成充满多重阅读的油画作品。奇异又耐人寻味的画面被动物和人物形象所占据,素描式的笔法赋予她的作品一种独特的趣味性和直观性。

艺术家擅长从艺术史长河中撷取不同的母题和意象加以全新解读,从而为自己的故事叙述注入一份熟稔和亲近感,进而对21世纪的各种社会议题展开诠释。Tanya Merrill试图向观者揭示,所谓当代现象——虽然处于当下的新语境——很大程度上可以看作是古代悲剧的轮回与重演。

破浪

展览时间:7月17日-10月17日

展览地点:chi K11美术馆

门票:80元

艾萨·霍克森
《女超人KTV》,2019
数字视频(彩色有声)8分钟
摄影:林子人

展览标题“破浪”指涉的是波浪拍打海岸时持续不懈以及逆流而上、破空而出的行动。它试图传达一种乐观主义精神——在逐渐进入重塑之中的后疫情时代时,我们应当对新的潜能抱有信心,也需要对正视人类社会的困境保持勇气。参展艺术家大多对某一社会议题保持关注,比如人类与自然的关系、全球化与人员的迁徙和流动、中心与边缘、剥削与合作、新技术的潜能等。

菲律宾艺术家艾萨·霍克森的参展作品是展览亮点之一。一个类似90年代KTV包厢的空间内循环播放音乐视频《女超人KTV》,该视频由菲律宾女超人乐队主演,她们翻唱了美国歌手Karyn White的《女超人》(Superwoman),把原曲的部分词语消音、字幕涂黑,将这首歌的原意完全颠覆,挪用到女性主义的语境内。在另外一个视频《成为白人》中,一群白雪公主幸福地翩翩起舞——她们由菲律宾人扮演,指涉了迪士尼乐园移民工人在一个旨在为人带来幸福的产业内可能遭遇的文化冲突与不平等对待。

【北京】

成为安迪·沃霍尔

展览时间:7月3日-10月10日

展览地点:UCCA尤伦斯当代艺术中心

门票:190元

“成为安迪·沃霍尔”展览现场。图片来源:UCCA尤伦斯当代艺术中心

在安迪·沃霍尔的艺术生涯中,他是画家、雕塑家,也是插画家、摄影师,从出版、电影、电视,到音乐制作、时尚和戏剧,都是他探索的舞台。他不仅是一位革命性的创造者,也是取得巨大商业成功的艺术家。受20世纪50年代中期开始席卷英国的波普艺术运动的吸引,沃霍尔逐步发展出自己独特的创作风格,缔造了消费时代的艺术神话。

本次展览汇集了沃霍尔的近400件代表作品,从20世纪50年代初艺术家到纽约进行的商业跨界尝试,到60年代的标志性绘画,再到艺术家对80年代纽约街头文化的适时回应,都囊括在其中。展览还以沃霍尔著名的工作室“工厂”为灵感,设置了互动区域“波普工厂”。观众有机会体验制作丝网印刷,定制专属于自己的波普印记。

中岛英树世界巡展:MADE in JAPAN.TOKYO(北京站)

展览时间:7月3日-10月10日

展览地点:桥艺术空间

门票:98元

中岛英树为坂本龙一设计的专辑封面

中岛英树是日本平面设计师,他的作品总是在寻求新的表现方式,不喜欢形式美,也没有固定的风格。他认为,如果拘泥于表象,设计就开始失去它独有的生命力。因此,他的设计是以一种自作主张、有些任性的方式涌现出来的,作品也一直在跟着时代的变化而变化。上田义彦曾经这样评价中岛英树:“对我印象最深刻的是看到他手臂上纹身的照片。把设计的字眼刻在身上,让人感受到他对于设计的决心和感情。对他来说,大概通过设计,来观看摄影、人类和世界吧。”

本次展览围绕400件珍藏作品与手稿,带领观众走进中岛英树的三次相遇——与Peter Saville的设计相遇、与时尚杂志《cut》的相遇、与坂本龙一的相遇。这三次相遇也展现了中岛英树从决心成为一名平面设计师,一步步设计出具有极简风格的平面作品,成为设计大师的过程。

从库尔贝、柯罗到印象派:来自法国诺曼底的光影世界·真迹展

展览时间:7月16日-10月15日

展览地点:中华世纪坛(二层世纪大厅)

门票:98元

莫奈《埃特勒塔》

19世纪初,随着铁路交通的蓬勃发展,一批又一批艺术家涌入位于法国北部的诺曼底,此处逐渐成为了巴黎艺术圈流行的写生之地。艺术家们在诺曼底留下了异彩纷呈的作品,这片土地也见证了日渐兴起的“新艺术”——印象派的诞生。

本次展出的60件油画原作主要选自法国诺曼底绘画协会收藏的“诺曼底系列”藏品,以诺曼底地区的印象派艺术为主。展览创新性地将莫奈、莫里索、库尔贝、柯罗、马奈等闻名于世的艺术巨匠与阿道夫·菲利克斯·卡尔、弗兰克·伯格斯等等鲜为人知的优秀艺术家联系在了一起。这些在巴黎接受传统学院派教学的艺术家,见识过当时世界的艺术中心,最后却选择回到故乡诺曼底。他们从未停下手中的画笔,细致入微地描绘着他们在诺曼底的寻常所见:港口、牧场、教堂等等,仿佛一切都可以入画。

遇见拉斐尔:从文艺复兴到新古典主义大师馆藏展

展览时间:7月10日-10月14日

展览地点:嘉德艺术中心

门票:168元

《圣路加在拉斐尔面前绘画圣母子像》被公认为拉斐尔的作品
267×205×2cm / 300×241×11cm
木板油画转移到画布上

文艺复兴是一个群星闪耀的时期,而拉斐尔凭借其卓越才华,在文艺复兴中占据了无可替代的地位,成为与达·芬奇、米开朗基罗齐名的文艺复兴三杰之一。与米开朗基罗的激情相比,拉斐尔的作品更多展现的是哲学与宗教的命题,少了些悲剧性的冲突,多了和谐的因素。

此次展览中亮相的作品来自意大利圣路加国家美术学院的珍藏。其中最重要的就是大型人物画《圣路加在拉斐尔面前绘画圣母子像》,这幅作品自16世纪就为学院所收藏,一直被认为是拉斐尔本人的作品,也被视为这个学院的文化基石。此外,著名的湿壁画《持花饰的孩童》也值得一看。展览还将展示拉斐尔的老师佩鲁吉诺以及拉斐尔追随者的39件真迹,让观众更加全面的了解艺术家创作风格的成型脉络和对后世影响。

保罗·治奥利:选集/类比

展览时间:6月26日-8月29日

展览地点:三影堂摄影艺术中心

门票:60元

展览现场。图片来源:三影堂摄影艺术中心

保罗·治奥利身兼画家、摄影师、电影制作人,是过去几十年间最具创新精神的意大利艺术家之一。上世纪70年代,他跟随卢米埃尔兄弟的脚步,把相机作为他的实验室,独立制作出了他最初的一批电影,并开始将兴趣转向摄影。值得注意的是,治奥利发现可以使用宝丽来这种非常灵活的手段来进行他的摄影研究。他通过将材料转移到纸张或画布等非胶片的载体上,将宝丽来提升到了美术的水平。

由于治奥利的审美受到了19世纪最重要的两种媒介——电影与摄影的影响,他在十分早期就能够在静止和动态影像之间展开对话,并产生了引人深思的结果。他的电影创作大部分都使用胶片拍摄手段,并在创作中采用了类比的方式。在展览中,观众将看到“自然”、“身体”、“面孔”、“媒介”四个主题的宝丽来摄影作品,还有六个放映区将进行相关主题电影的展出。

来源:界面新闻

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